El Museo Jumex presenta Gabriel de la Mora: La Petite Mort, una retrospectiva en profundidad de la práctica del artista durante las últimas dos décadas y que reúne cerca de 90 obras con superficies minimalistas y a menudo monocromáticas que encierran una gran complejidad técnica, rigor conceptual e información implícita.
Nacido en la Ciudad de México en 1968, Gabriel de la Mora es conocido por transformar materiales encontrados, desechados y obsoletos, mediante procesos aparentemente alquímicos, en objetos exquisitos con acabados brillantes y seductores.
Instalada en la galería del tercer piso del museo, la exposición investiga la presencia recurrente del deseo y el erotismo en la práctica de De la Mora, abordando tanto la tensión superficial de las obras como con los impulsos creativos inconscientes más profundos que las rigen.
Próximamente en el #MuseoJumex ‘Gabriel de la Mora: La petite mort’. ¡Te esperamos el 25.SEP.2025! pic.twitter.com/te4CUarWe4
— Fundación Jumex (@FundacionJumex) September 3, 2025
También hay una pérdida implícita, una muerte simbólica o física presente en la mayoría de las obras de De la Mora, que suele manifestarse a través de los materiales que utiliza.
Coorganizada por el Museo Jumex y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), La Petite Mort cuenta con Tobias Ostrander como curador invitado y Carolina Estrada García, asistente curatorial del Museo Jumex.
La Petite Mort y el placer sexual extático
Estructurada en torno a seis secciones temáticas —Cuerpos, Borradura, Calor, El filo del deseo, Tacto y El placer del espectador—, la exposición estudia dos preocupaciones centrales que se encuentran en la obra de De la Mora: la muerte en sí misma y el placer sexual extático. El título La Petite Mort hace referencia a una expresión francesa que significa “orgasmo” o “la muerte pequeña”.
La exposición se centra en estos conceptos y los sentidos relacionados de pérdida y abandono que recorren la práctica de De la Mora. Al explorar los encuentros físicos entre las obras y sus espectadores, La Petite Mort reconoce las complejidades conceptuales de las obras de la exposición, al tiempo que se cuestiona su pureza estética y su belleza objetiva.
Cuerpos, la primera de las seis secciones temáticas de la exposición, presenta obras que exploran los cuerpos humanos e inanimados a través del retrato, la presencia física y las impresiones transferidas.
En Memoria I, 24.10.07 (2007), De la Mora moldea 17 reproducciones en resina de cráneos humanos que representan a miembros vivos de su familia, así como a su padre y su hermana fallecidos. Desde 2004, el artista ha empleado el cabello humano como método de dibujo y como material impregnado de ADN para cuestionarse los límites entre el dibujo, la escultura y el retrato, como se ve en 1951-G.M-25-1993 (2007), que representa al padre del artista.
El uso del cabello también se puede encontrar en Adam II (2006), un retrato de un joven. Estas obras dialogan con piezas abstractas como CBMX-S XIX I (2017), en la que el “cuerpo” diseccionado de una silla tapizada de la década de 1870 revela su “piel” de tela y su «esqueleto» de madera, evocando temas como la edad y la pérdida.
Borradura destaca obras que incluyen imágenes y materiales cuyo estado original ha sido alterado, ya sea mediante la intervención directa del artista en forma de abrasión física o mediante su recontextualización de materiales encontrados que se han deteriorado por el uso, el paso del tiempo o el desgaste.
Dos obras alteradas de pornografía masculina, una pintura acrílica sin título (2003) y Página 42 / 25 de agosto de 2009 / 6,6 gramos (2009), presentan páginas de revistas que han sido borradas por el artista, lo que impide ver las imágenes explícitas. Otras obras de esta sección recontextualizan materiales encontrados, como carteles callejeros rotos y fragmentos de tejados de edificios centenarios, en abstracciones táctiles que desafían las nociones convencionales de permanencia.
La sección también incluye la serie Originalmente Falso de De la Mora, en la que el artista reelabora pinturas falsificadas atribuidas a artistas de renombre como Arnold Böcklin, Mathias Goeritz y Mario Carreño, mediante procesos destructivos como raspar la pintura o utilizar materiales poco convencionales para imitar el envejecimiento.
La sección titulada Calor se centra en obras moldeadas por el fuego, tanto como proceso material como metáfora de la intensidad física. Aquí, el calor evoca las intensas sensaciones que experimenta el cuerpo humano en momentos de placer intenso. En esta sección se presentan piezas de la serie Introduction (2003-2009) de De la Mora, que consta de seis páginas de la tesis de maestría del artista que han sido quemadas.
Las páginas carbonizadas se han transformado en delicadas esculturas, cuyas formas líricas negras han sido creadas por los movimientos fortuitos de las llamas y el aire. También se expone una serie de pinturas antiguas de paisajes que han sido expuestas al calor y a los elementos, entre ellas 81 días I
El filo del deseo destaca la fascinación de De la Mora por los bordes, los cortes y las fronteras, así como la tensión entre la superficie y la profundidad. En 3,936 capas de pintura 1A – 1B (2011), dos objetos están hechos de casi cuatro mil capas monocromáticas de pintura acrílica. Mientras que la capa superior de uno de los objetos parece completamente blanca, sus bordes cortados revelan un cañón de colores caleidoscópicos.
Otra obra destacada es 89,911 – An. (2021), un gran mosaico cuadrado formado por diminutas piezas de andesita, una piedra gris producida por la lava y un material utilizado en la escultura prehispánica de México. Estos miles de fragmentos de formas aleatorias, con bordes afilados y superficies angulares, están dispuestos de manera que cada piedra se apoya en la otra, creando un patrón monocromático con textura.
Tacto reúne obras que trazan la evidencia y la ausencia del contacto físico, incluida la primera obra del artista, m-294 (1972), la cual creó cuando tenía cuatro años. De la Mora, que es disléxico, escribió originalmente la letra “m” al revés. Tras la corrección de su maestra, dibujó repetidamente la letra correctamente, hasta que, en un acto de rebeldía creativa, la dibujó al revés en el anverso de la misma hoja, ofreciendo copias especulares de la letra.
Esta sección también contará con B-55 izq. / 55 der. (2016), una gran instalación compuesta por telas enmarcadas de 55 pares de altavoces antiguos, cada uno marcado por movimientos sonoros, creando composiciones simétricas. 1,152 – I / Pi. (2014) profundiza en esta exploración del rastro y la memoria, con más de mil suelas de zapatos de cuero usadas, que muestran diversos patrones de desgaste debido al movimiento habitual.
La exposición concluye con la sección El placer del espectador, que hace referencia directa al influyente ensayo de Roland Barthes de 1973 titulado El placer del lector, en el que se destaca el papel activo del espectador en las obras de arte.
Estas obras invitan a la participación y la interacción, ya sea a través de textos que exigen ser leídos, superficies que muestran marcas que piden ser descifradas o referencias a ojos y superficies reflectantes que implican al espectador en el acto de mirar. Los ejemplos a gran escala de la obra reciente del artista son monocromos texturizados que incluyen miles de fragmentos de cáscaras de huevo.
Entre ellos se encuentran cáscaras de huevo de color verde azulado pálido o blanco puro, como en 467,685 (2020). Las piezas atraen al espectador con sus superficies aparentemente milagrosas, provocándole a cuestionarse sobre su creación y el tiempo que ha llevado su producción. Los huevos, como símbolos de vida potencial, y sus cáscaras desechadas, que sugieren pérdida, se ven aquí inmersos en un proceso de transformación y regeneración. Otro punto destacado es la reciente serie del artista sobre alas de mariposa, en la que explora sus vivos colores y su iridiscencia única.
Las obras de esta serie requieren que el espectador se mueva hacia adelante y hacia atrás para captar plenamente los efectos visuales. Lo Que No Vemos, Lo Que Nos Mira (2014) presenta letras talladas en obsidiana negra, que parecen flotar en la pared, reflejando los aspectos subconscientes y ocultos del espectador que el arte puede revelar.
Obras como G.M.C. O+/ 14 565,6 cm2 (2009) y 10 000 cm2 II – G.M.C. O+ (2009) hacen referencia a la crisis del sida, los rituales católicos y aztecas, y el potente símbolo de la transfiguración divina que representa la sangre.
Prótesis oculares del artista a color (2014) presenta reproducciones protésicas de los propios ojos de De la Mora. Colocadas en un pequeño estante, parecen una ofrenda surrealista, tal vez expresando su deseo de compartir con nosotros la parte anatómica más significativa de sí mismo como artista.
